Cada cierto tiempo recibo un especie de informativo con las últimas publicaciones de la Taschen, una editorial que está constantemente publicando distintos libros que por lo general tienen que ver con el mundo de las artes, ahora es sobre la obra del artista Jeff Koons, un tipo bastante curioso ya que tiene aspecto de niño bueno y sin embargo es considerado como bien dice el texto a continuación una especie de enfant terrible, lo que no me quedó claro fue el titulo del correo que recibí, “Koons para pobres”, por eso titulé este articulo de la misma manera, pero entre signos de interrogación quizá su valor es lo que lo hace para pobres € 49.99 pero me pregunto ¿cuanto más nos subirá el impuesto por el envió a nosotros los Sudacas? En fin igual quiero compartir con ustedes esta información de este loquillo, que por lo demás es bien especial su obra. Y además porque es de las pocas publicaciones que vienen en español, por lo general sus publicaciones o están en ingles o alemán, lo cual nos deja fuera generalmente a los hispanoparlantes.

Las obras completas de Koons a un precio totalmente inkooncebible

Del kinky al kitsch pasando por lo conceptual, el arte de Jeff Koons es de todo menos conformista. Desde que revolucionó el mundo del arte en los ochenta con sus esculturas de balones de baloncesto y sus juguetes hinchables de acero inoxidable, Koons ha estado considerado como una especie de enfant terrible –una reputación que confirmó a principios de los noventa mediante un trabajo de alto contenido sexual con su entonces esposa Cicciolina, la estrella del porno italiana. Tras esta tórrida etapa, cambió de rumbo para crear el gigantesco Puppy, el terrier floral de doce metros que actualmente se encuentra expuesto en el Museo Guggenheim de Bilbao. El partido que Koons saca de lo banal, el ensalzamiento y personificación de lo kitsch y de la imaginería pop, se han convertido en su sello personal; puede que sus detractores disfruten criticándole, pero el trabajo de Koons se vende por cifras millonarias en las subastas y su posición a la vanguardia del arte contemporáneo es indiscutible.

Esta exhaustiva monografía comienza con la introducción biográfica por parte de la editora jefe de la revista Interview Ingrid Sischy, que contextualiza su trabajo y cuenta sus historia personal, así como con el texto de Eckhard Schneider, que analiza la obra de Koons desde la perspectiva europea. Estructurado en capítulos cronológicos según sus trabajos, el grueso del libro incluye análisis detallados por parte de la historiadora del arte y crítica Katy Siegel, junto con cientos de imágenes en formato grande que repasan la trayectoria de Koons desde 1979 hasta la actualidad. Una extensa bibliografía y una biografía profusamente ilustrada concluyen el libro. Los entusiastas del arte de Jeff Koons encontrarán en esta publicación no sólo un suntuoso proyecto bibliográfico, sino también el estudio más exhaustivo que jamás se haya publicado acerca del artista.

Jeff Koons
Ed. Hans Werner Holzwarth
Tapa dura, 25 x 33.4 cm
592 páginas, € 49.99 ($CL 39.400)
ISBN 978-3-8365-1533-7
Edición trilingüe en español, italiano y portugués

Este verano tuve el privilegio de hacer un viaje a India, que entre paréntesis entre vuelos, escalas, esperas en aeropuertos te demoras como tres días en llegar, lo cierto es que al mirar el mapamundi me di cuenta que en realidad te cruzas la mitad del mundo, pero bueno el tema no es ese, sino que una de las escalas es en Zurich, Suiza, país que se caracteriza por tener, según mi opinión, un diseño exquisito, ni se imaginan lo que puede llegar hacer su aeropuerto, un lujo en todo lo que respecta a diseño gráfico e industrial, el asunto es que me encontraba en este paraíso del diseño, donde por supuesto el lugar de espera para la conexión a tu próximo vuelo es espectacular y tienes una especie de biblioteca gratis, si como lo leen gratis, para leer revistas de muy buen nivel, el problema era que la mayoría estaban en idioma suizo, hasta que di con una revista en inglés, a pesar de que mi inglés no es de lo más prolijo al ver en la portada la imagen de una magnifica fotografía en blanco y negro de Peter Gabriel, uno de mis músicos favoritos desde que tenía como 16 años, y eso es hace mucho tiempo, el asunto es que mientras escuchaba al mismísimo Peter Gabriel en mi Ipod a todo volumen, casi me despacho con el articulo que a continuación van a leer, al final entenderán que baje violentamente el volumen de mi Ipod y me pregunte si ya no estaría levemente sordo, bueno mi señora dice que yo no oigo muy bien. Además quiero agradecer a Rodrigo Hevia, que para ser más precisos, le pedí a el que hiciera la traducción de este articulo, ya que como dije antes mi inglés no es lo más prolijo y quería que todos ustedes puedan leer y entender mejor el texto, incluso agregó una información complementaria para su mayor comprensión.

Hoy en día la mayoría de los jóvenes no puede imaginar la vida sin un celular ni un reproductor MP3. Quieren pasarlo bien y divertirse todo el día y la música a alto volumen forma parte de eso. Y para muchos fanáticos del Pop y el Hip-Hop, el volumen simplemente puede estar nunca lo suficientemente alto, como lo ha revelado un sondeo hecho por el canal de televisión RTL. Al estar esta diversión disponible en cualquier lugar con un reproductor MP3, el pequeño y súper liviano dispositivo es consecuentemente usado intensamente.

De acuerdo a un estudio inglés, un 39% de las personas de entre 18 y 24 años escucha música al  enos una hora al día a volúmenes de hasta 105 decibeles. Esto significa que están sometiendo sus oídos a un nivel de ruido que no deberían estar tolerando por más de 25 minutos a la semana. Se ha estimado que  on esta permanente sobreexigencia existe el peligro de volverse sordo dentro de aproximadamente 5 años. El enganche con la música a alto volumen radica en que comunica una experiencia emocional y por lo tanto es considerada más placentera que el ruido similarmente fuerte producido por máquinas de trabajo como taladros neumáticos o motosierras.

Bruselas advierte del peligro de efectos adversos permanentes.

El comité científico de la UE “Riesgos a la Salud Emergentes y Recientemente Identificados” ha abordado el problema y en un informe recientemente entregado se ha referido al hecho de que los reproductores de MP3 y otros aparatos de audio portátiles que usan fonos pueden dañar seriamente la audición. Este riesgo existe para un 5 a 10% de los 2,5 a 10 millones de usuarios en la UE. Dadas las implicancias en la salud, la Comisión Europea tiene la intención de examinar “que medidas se pueden tomar para proteger mejor a los niños y los jóvenes de la exposición al ruido que experimentan a través de reproductores de MP3 y otros aparatos similares” Si se toma en cuenta que de acuerdo a una pauta del Parlamento Europeo, adoptada en Febrero de 2008 como un derecho nacional para los miembros de la UE, se debe usar protección auditiva en el lugar de trabajo cuando el ruido está a un nivel constante de 80 decibeles o más, se podrá ver cuan grande es el riesgo de daño auditivo irreversible al usar reproductores MP3, especialmente debido a que la mayoría de los jóvenes usuarios no son conscientes de este hecho o no se lo toman en serio. El profesor Hasso von Wedel, director del Departamento de Oído, Nariz y Garganta de la Uniklinik en Colonia confirma que “el problema está claramente subestimado ya que los síntomas frecuentemente solo aparecen años después.
En Alemania esto aun no ha sido comprendido claramente. Dado que las consecuencias, tales como tinnitus (zumbido) y audición reducida son generalmente irreversibles, es urgente que tomemos cartas en el asunto para proteger a los jóvenes”

Daño irreparable

Los perdurables efectos adversos en la audición causados por el alto volumen y frecuente uso de los reproductores MP3 pueden ser atribuidos al daño en las células ciliadas, células sensitivas semejantes a pequeños pelos en la cóclea (oído interno). Estos diminutos pelos sensitivos dan impulsos eléctricos al  entro auditivo en el cerebro, los que son percibidos como sonido. El especialista Ronald Schuderer explicó el dañino efecto de la exposición al ruido así: “Imaginen un campo de maíz. Con una suave brisa los tallos son solamente doblados, con una tormenta son quebrados” Desde hace años los costos asociados a la  xposición a ruidos demasiado fuertes han ido en aumento. Mientras la mayor parte de los daños auditivos solían ser causados por oír a discos, hoy son cada vez más atribuidos al uso de reproductores MP3. Sin embargo, aun no tenemos la imagen del todo clara, ya que datos exactos acerca del comportamiento de los usuarios y de selección de volumen son desconocidos. De lo que sí hay certeza, sin embargo, es que en lo últimos 6 años los gastos de las compañías de seguros en aparatos auditivos para niños y jóvenes se han elevado en cerca de un 30%. De acuerdo a un cálculo del Centro Federal para la Educación en Salud, aproximadamente un cuarto de todas las personas entre 16 y 24 años sufre de daño auditivo. Mientras la tendencia a preocuparse de este tema tiende continuar, un audiólogo ha incluso vaticinado que un tercio de los jóvenes de hoy va a necesitar un aparato para la sordera cuando estén cumpliendo 50 años.
(Este articulo salió publicado en la revista Número Nueve, Hear The World, The Magazine for The Culture of Hearing, ISSN 1863-9755 ) 

Articulo originad de Anno Bachem

1.- Nombre:
Fernando Sandoval
2.- Sobre-nombre: (solo si lo tienes, no es necesario que lo inventes)
Pelao
3.- Especialidad: Gráfico, Industrial, Otro
Industrial
4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
Duermo.
5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Al infinito y mas allá.
6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
El jazz, en especial el Clarinete (Daniels)
7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Poner la Cultura en lo cotidiano, hacerla extensiva a toda actividad. Democratizar los objetos.

8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?Silent Desing – Peter Gorb.
Desing: a powerfull but neglected strategic tool – Philip Kotler.
Product Development Performance- Clarke and Fujimoto.

´

1.- Nombre:
Andrés Correa Illanes
2.- Sobre-nombre:
Canosito, Trígido, Cucocorrea, Chicharra
3.- Especialidad:
Diseño Gráfico
4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
Leo libros de distinto tipo, de psicología, diseño, novelas, cuentos, poesía

5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Hacia la responsabilidad de comunicador social, hacia la interdisciplina, hacia la investigación en la comunicación persuasiva
6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
El arte (pintar) y la fotografía, además la sociología
7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Respaldar el servicio de comunicaciones efectivas a nivel comunitario, sobre todo de los más marginados.
8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?
Leer a Jordi Llovet, leer a Karl Gertsner, leer a Jorge Frascara, leer a Gui Bonsiepe, leer a Maturana, leer a Francisco Gálvez, leer a Bruno Munari, etc

Saludos
Andrés

1.- Nombre:
Francisco Gálvez Pizarro
2.- Sobre-nombre:
Pancho
3.- Especialidad:
Diseño gráfico (en especial tipografía y diseño editorial)
4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
Leo sobre temas relacionados con la cultura, la educación, la filosofía y cualquiera que hable sobre la naturaleza humana. Suena a harto pero no es tanto.
También amplío mi biblioteca musical (si digo discoteca se mal entiende) me gusta saber de compositores que exploren nuevas formas de hacer música, en el jazz y la música contemporánea (mal llamada «docta»).

5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Uf ¡qué pregunta más filosófica! no lo sé sólo lo hago, cuando trabajo me concentro en que quede lo mejor posible. Eso me abre puertas.

6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
La gastronomía, la literatura y el arte de hacer filmes.
7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Por definición nuestro trabajo es social, si alguien no tiene claro esto, no está haciendo diseño profesional, sino que cumpliendo con una pega.
Cómo no vamos a tener una preocupación por lo que hacemos, es una ejercicio imaginarse la persona que empleará o verá lo que producimos, eso provoca un efecto muy sutil (a veces impactante), pero palpable.
8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?
Que quede claro que ningún libro concentra lo que todo diseñador debe conocer, la gracia de los libros es como navegar por Internet, pero de manera más profunda y no tan fragmentada como en la red, la idea es armarse una minibiblioteca que vendría a ser como una intranet.
Si es sólo de diseño recomiendo los siguientes para empezar (me pondré un pie forzado de 3 por cada tema):

Sobre tipografía y diagramación:
—The Elements of Typographic Style. Robert Bringhurst.
—Thinkig with type. Ellen Lupton.
—El diseño de libros. Jost Hochuli & Robin Kinross.
Sobre teoría:
—Las leyes de la simplicidad. John Maeda.
—Information Design. Rune Pettersson.
—The Stroke. Gerrit Noordzij.
Sobre Ilustración y el dibujo:
—Making comics. Scott McCloud.
—Principios de ilustración. Lawrence Zeegen.
—Pensar visualmente. Mark Wigam.
Sobre historia:
—Stylepedia. Steven Heller & Louise Fili.
—A view of early typography. Harry Carter.
—Historia de diseño gráfico en Chile. Pedro Álvarez.
Sobre personalidades del diseño gráfico:
—Printed Matter. Karel Martens.
—Paul Renner. Christopher Burke.
—Anthony Froshaug. Robin Kinross.
Sobre ampliar nuestra visión de las cosas (bonus track)
—Los Ensayos. Michel de Montagne
—El mundo de las palabras. Steven Pinker.
—La cocina de la escritura. Daniel Cassany.

Saludos
Pancho Gálvez

1.- Nombre:
Joaquín Contreras
2.- Sobre-nombre:
jko
3.- Especialidad:
Diseño gráfico

4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
La mayoría del tiempo estoy conversando, o escuchando música, sino leyendo algo.
Pero la mayoría del tiempo estoy hablando de diseño y de política con amigos.

5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Me lleva a encontrarme con otra gente. Casi siempre tengo suerte, por ejemplo haciendo clases, o diseñando alguna cosa para algún amigo que no veía hace tiempo. Termino tomando once con casi todo el mundo con quién me involucro en diseño.
6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
Casi todas las disciplinas creativas, pero la música como principal, la enseñanza y luego la escritura.
7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Es una pregunta que respondo de manera muy personal, creo que si el diseñador es un facilitador para ciertas personas que necesitan comunicar alguna cosa, debería uno ser responsable de elegir para qué mensaje va a trabajar. La responsabilidad y la ética del diseñador está ahí, en donde pone su trabajo. Lo lógico sería que trabaje para quién representa sus ideales, no solo donde se necesite el diseño y que eso sea una justificación, porque hay gente que necesita diseño para hacer grandes cosas que afectarán negativamente a muchas personas. Por ejemplo, yo detesto los automóviles, entonces sería ilógico que diseñara algo para la industria automotriz. Pero muy obvio que haga algo para una asociación de ciclistas. Y así….
Por otro lado existe una respuesta comodín a lo mismo, diciendo que una cosa es un diseñador que trabaja para clientes y otra muy distinta es estudiar diseño. Con esto me refiero a que existe un punto de vista muy cerrado que opina que por estudiar una carrera inevitablemente terminarás trabajando en eso, lo que a mi como profesor y como profesional me parece poco menos que un insulto a la inteligencia del estudiante, sobretodo a las libertades de cada uno acerca de que hace con su vida. Si yo estudié diseño gráfico no era para trabajar como diseñador sino para aprender diseño gráfico que es una disciplina con muchísimas aristas y que no siempre desembocan en la relación oficina de diseño+cliente. Puedo estudiar diseño si hago grafittis, si me dibujo mis poleras, si quiero hacer un fanzine, etc… No necesito de un cliente para diseñar, necesito tener ganas y una necesidad. Desde eso otro punto de vista la labor social es ser conductor de mi propia vida, que es parte de la sociedad. Así de simple.
8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?
Lo bueno siempre es relativo, pero como recomendación súper amplia diría que hay que leer la teoría del diseño, los libros “fomes y sin fotos” que los estudiantes no leen. Así tendrás conocimientos sobre diseño, no solo referentes visuales. Te formarás un opinión crítica sobre lo que haces, sabrás porque lo haces y como eso que a veces es un impulso estético, para los demás es relevante porque reciben todo lo que haces.
Lo segundo es saber de tipografía en serio, aprender a elegir tipos, saber algo más que sus nombres y diagramar bien. Si no sabes diagramar no eres un diseñador gráfico confiable, estás trabajando con el instinto y eso en diseño gráfico es bueno solo un poco, y no en el momento de componer textos, ni de elegir las tipografías.
Lo tercero es tener referentes, eso es de cada uno, debes saber que te gusta y porque te gusta y saber todo sobre ese tema específico. Saber imitar lo necesario como para aprender técnicas y tener buenos resultados gráficos.
Para mi el mejor aprendizaje lo he tenido de conversar con gente que diseña, artistas, directores de arte, fotógrafos, músicos, escritores, etc. Todos los que rodean al diseñador. Conversando se aprende mucho más que en cualquier biblioteca.

Los datos duros serían:
Educación Tipográfica de Pancho Gálvez o los de tipografías de Frutiger que están en las escuelas. Todo lo que salga de ejemplos de retículas y grillas, aunque se vean fomes, leerlos.
Las revistas Grrr de España que es la mejor revista de diseño que he leído, Eye que es un clásico y IdN (si tenís plata). La Joia está buena también para tener referentes.
Y todo lo que se publique en chile por Eduardo Castillo, Guillermo Tejeda, Junta Editorial, y la Diego Portales.
Leer todo lo que publica Steven Heller, que son muchos libros.
Ponerle atención a Ellen Lupton que es una gran maestra.
Si sabes ingles The element of Typographic Style, que es la Biblia de la diagramación.

Para aprender es importante desinstalar MSN (o evitarlo), revisar Facebook una vez a la semana y sacar fotos con rollo, no con digital. Sino no tienes tiempo de conversar en serio con tus amigos. Entonces menos para leer libros de diseño.

* * * *

Eso po. medio largo o no?

1.- Nombre:

Horacio Esteban Lardiés

2.- Sobre-nombre:
h (hache)

3.- Especialidad:
Diseñador gráfico – artista.

4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
Cocino, como, tomo y viajo. Dentro de lo posible en grandes cantidades en cada especialidad. Trato de disfrutar mucho todo lo que sucede fuera del trabajo. Relaciones humanas, historias de vida, etc.

5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Hacia una gran familia y una casa con muchas habitaciones (un hotel encubierto) para invitar gente querida en algun lugar al lado del mar o de algun lago.

6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
Pinto bastante, filmo otro tanto y me encuentro en una pausa de varios años de la música pero la batería y la percusión me dijieron que me iban a esperar hasta cuando todo se configure para el regreso. En la misma espera se encuentra el desarrollo de cine experimental.

7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Educar y hacer, en la práctica cotidiana de vivir, felices a las personas que tenemos alrededor. Los diseñadores tenemos esa posibilidad de ver la proyección de las cosas y eso es algo que lo debemos brindar a la sociedad en charlas, compañía, visitas, etc.

8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?
2nd sight de David Carson (bien leído), Brookman en todas sus versiones posibles, Cortázar y el libro editado por el Malba de Liliana Porter.

Muchas veces me he preguntado que hacen mis colegas diseñadores, especialmente los más “Bakanes” de nuestro medio cuando no están diseñando, ¿Qué leen, que rol social le ven al diseño?, en fin, que más fácil que hacerles una pequeña encuesta. Sin embargo cuando la empecé hacer me di cuenta que estaba dejando fuera algunos amigos Argentinos bien notables, así es que me aventuré a ver si me la contestaban y la verdad es que tuve suerte y por ello les doy las gracias a los que se tomaron el tiempo en contestarla. Aquí va la primera entonces de una serie de notables respuestas, es como cuando uno hace un encargo de Taller y salen soluciones tan distintas todas sumamente validas como diría Mark Wasseman en RE think, RE design, RE construct “NO IMPORTA QUE TAN ESPECTACULAR SEA UN DISEÑO ORIGINAL. ES SÓLO UNA SOLUCIÓN, NO LA ÚNICA” así también fueron las respuestas de nuestros destacados diseñadores.

1.- Nombre:
Juan Pablo De Gregorio Concha
2.- Sobre-nombre:
En mi casa me dicen Juany desde guagua, de Juanito
3.- Especialidad:
Diseño tipográfico
4.- ¿Qué haces cuando no diseñas?
Entreno ciclismo, sino, compito en bicicleta
5.- ¿Hacia donde te lleva el diseño?
Hacia el computador
6.- Además de diseñar, ¿qué otra disciplina te atrae?
Me gustan otras cosas, un poco de sicología, un poco de arte, la fotografía, la ilustración, descontextualizar instalaciones.
7.- ¿Qué labor, a nivel social, crees que debe desempeñar un profesional del diseño?
Estimular la sensibilidad de las personas. De todas maneras. Saber qué es lo que la gente necesita, y entregarles mucho más de lo que nunca esperaron. Dar valor agregado a las cosas.
8.- ¿Qué bibliografía consideras necesaria para tener unos buenos conocimientos sobre diseño?
La que va creando uno en su cabeza. La de la calle, la de saber mirar. Todos los días nos enfrentamos a una tormenta de estímulos visuales, lenguajes, idiomas que enriquecen (y empobrecen) visualmente la ciudad. Si somos capaces de recibir los estímulos como materia prima, procesarlos, y extraer lo bueno y lo malo de ellos para producir piezas distintas, no necesitamos comprar mucho material bibliográfico procesado más allá de lo básico-necesario.

Me acabo de encontrar con un extenso texto que voy a reproducirles, por mi afición a diseñar y enseñar sobre diseño editorial, ¿a que se debe esto? A que hace poco en un examen un prestigioso profesor de una prestigiosa universidad en la cual hago clases, dijo cito textual “Esto no es la última edición de la editorial Planeta de un libro de poesía” con un tono un tanto peyorativo, y voy a dejar para el final la pregunta que me hice frente a semejante afirmación.

¿Qué es un libro?
El libro es la forma de documentación más antigua que existe. Alberga el conocimiento, las ideas y las creencias de la humanidad. Los libros poseen una historia muy larga que se remonta a más de 4.000 años atrás. El vocablo “libro” procede del latín liber, que, originalmente, significó “parte interior de la corteza de las plantas”. Los romanos emplearon dicha corteza como papel. El término codex, utilizado para describir libros muy antiguos (como manuscritos de la Biblia o literatura antigua), posee un origen botánico similar: la palabra latina para designar “tronco de árbol” es caudex, que se usaba en forma de planchas como superficie para escribir. Cuando se habla de hojas de un libro, se hace referencia al material orgánico de la superficie de escritura utilizada por los primeros eruditos egipcios. Las hojas anchas y planas de las palmeras del antiguo Egipto se utilizaban para escribir en ellas; más tarde, los tallos de papiro se empezaron a aplastar, tejer y secar con el fin de obtener una superficie de escritura adecuada para la tinta.

Los primeros diseñadores de libros fueron los escribas egipcios; escribían en columnas e ilustraban los rollos con dibujos. Los escritos egipcios no se cosían a modo de libro, sino que se enrollaban (las hojas de papiro se encolaban por un extremo y después se formaba el rollo). El papiro continuó en uso como principal material de escritura durante toda la antigüedad, aunque también se han encontrado muestras de escritura egipcia, griega y romana en cuero y pieles secas de animales. Probablemente fue Eumenes II, rey de Pérgamo (Asia Menor), quien investigó por primera vez el uso de pieles de animales como alternativa al papiro. Sus sabios produjeron una piel de dos caras tensada en un armazón, seca, blanqueada con caliza y pulida con piedra pómez. Este material es lo que hoy se conoce como pergamino.
Los orígenes del códice de pergamino cosido se remontan a las antiguas prácticas griegas y romanas que consistían en atar por un extremo tablillas de madera cubiertas de cera. Las propiedades del pergamino supusieron un estímulo para el desarrollo del códice. Las láminas de pergamino podían ser más grandes que las de papiro, que, además, resultaba endeble, y era posible doblarlas sin provocar daños. El códice rompió con la tradición del rollo: las hojas se unían por un extremo y se doblaban. A continuación, se apilaban y se cosían por un lado. Al doblar las hojas grandes por la mitad se creaban dos folios (la palabra que hoy se utiliza para numerar las páginas, y que deriva del término latín para designar “hoja”); si se volvía a doblar la hoja por la mitad, se obtenía cuatro páginas, conocidas como quarto o cuartenión; con otro doblez más, se lograba un octavo. Estos tres términos se siguen empleando actualmente para describir los tamaños de papel derivados de hojas dobladas. Los escribas romanos y griegos siguieron el principio del rollo egipcio para el códice y escribieron en columnas. El vocablo “página”, que describe una de las caras de una hoja de un libro, deriva del latín página, que hace referencia a algo “unido” (lo que refleja que su origen se encuentra en los libros cosidos, y no en los rollos).

El papel (el término deriva de “papiro”) se inventó en China en torno a 200 a.C., aunque la historia oficial china afirma que lo descubrió Tsai Louen, director de los talleres imperiales, en el año 104 de nuestra era. Los primeros papeles chinos estaban elaborados con corteza de morera o de bambú reducida a fibra que después se extendía sobre una tela y se dejaba secar. En torno a 751, la fabricación de papel llegó al mundo islámico, y en 1000 ya se producía papel en Bagdad. Los árabes exportaron sus conocimientos sobre la fabricación de papel a España, y el primer molino europeo de papel se fundó en Capellades (Barcelona), en 1238.

Johannes Gutenberg, natural de Maguncia (Alemania), produjo en 1455 el primer libro impreso en Europa con tipos móviles. La Biblia de Gutenberg, que se imprimió en latín, fue el resultado de varias tecnologías. Gutenberg tenía conocimientos de metalistería y estaba familiarizado con las prensas que se utilizaban para estrujar las uvas en el proceso de elaboración del vino. Poseía libros cosidos que leía y estaba informado sobre el papel. Su estatus no oficial de “padre de la imprenta” se debe a una visión de la historia un tanto errónea y eurocéntrica. Los tipos móviles de cerámica se emplearon en Corea en 1241; en un libro coreano de aproximadamente, 1377, se afirmaba que había sido impreso con tipos móviles. Los chinos utilizaban la imprenta de bloques de madera desde el siglo VII para producir cartas de juego y papel moneda (ya en circulación en 960). En el año 868, un libro sobre el canon budista theravada, el Tripitaka, fue impreso en papel en China; se necesitaron 130.000 bloques de madera.
A pesar de los debates académicos sobre la fecha exacta de la invención de la imprenta, el impacto del libro impreso en el desarrollo de la historia de Europa occidental resulta indiscutible. Desde los tiempos de los romanos se utilizaba un alfabeto de 22 letras para la escritura, y cada letra, palabra y frase de un libro manuscrito se creaba de forma individual: un artesano, un objeto. El tipo móvil y su resultado, el libro impreso, permitió que un solo impresor produjera múltiples copias de un texto. Los primeros impresores fueron los responsables de establecer el tipo y diseñar la distribución de las páginas, así como la reproducción del texto. El libro impreso provocó la industrialización de la producción del lenguaje. Imprimir resultaba más rápido que copiar a mano y, en consecuencia, las palabras pasaron a ser baratas y a estar al alcance de todos.

Búsqueda de una definición: ¿qué es un libro?
Tras de resumir los orígenes de las palabras “libro” y “códice”, así como de otros términos relacionados, resultaría útil aportar una definición de libro. El Diccionario de la lengua española, de la Real Academia Española, ofrece estas alternativas:

1. “Conjunto de muchas hojas de papel, vitela, etc. Ordinariamente impresas, que se han cosido o encuadernado juntas con cubierta de papel, catón, pergamino u otra piel, etc., y que forman un volumen.”
2. “Obra científica o literaria de bastante extensión para formar volumen.” Estas sencillas definiciones hacen referencia a dos elementos clave: la descripción física de un conjunto de hojas impresas y cosidas, y la alusión a la escritura y la literatura. La Encyclopedia Britannica ofrece estas definiciones:
3. “[…] mensaje escrito (o impreso) de extensión considerable, creado para su circulación pública y recogido en materiales ligeros, pero lo suficientemente resistentes para permitir su portabilidad.”
4. “Instrumento de comunicación”. Estas definiciones introducen las ideas de lectores y comunicación. En The Encyclopedia of th eBook (1996), Geoffrey Ashall Glaister pone cifras a las nociones de gastos y extensión:
5. “Con fines estadísticos, el sector editorial británico estableció que un libro era una publicación que costaba seis peniques o más.”
6. ”Otros países definen un libro por un número mínimo de páginas; una conferencia de la UNESCO de 1950 definió un libro como ‘una publicación literaria no periódica con 49 o más páginas, sin contar las cubiertas’.” Resulta obvio que estas definiciones responden a cuestiones legales y de regulación de impuestos. Si bien las descripciones físicas que hablan de hojas y cosidos son precisas, ninguna de las definiciones vistas hasta ahora capta la influencia o el poder del libro. Yo propongo mi propia definición:
7. Libro: recipiente portátil que consiste en una serie de páginas impresas y cosidas, y que conserva, anuncia, expone y transmite conocimientos a los lectores a través del tiempo y del espacio. –Andrew Haslam

Por último agrego una cita de la introducción de otro interesantísimo libro Diseño de libros contemporáneo: Como ha afirmado recientemente el editor de uno de los periódicos más importantes del Reino Unido, “el libro ha sido capaz de mantenerse al mismo nivel que cualquier cambio tecnológico imaginable, desde el motor de combustión interna hasta la televisión”. En efecto, aunque se han desarrollado técnicas de producción cada vez más sofisticadas y su aspecto externo se ha sometido a las veleidades de los estilos de diseño gráfico que se han puesto de moda a cada momento, el interior del libro posee el mismo formato desde que los romanos crearan los códices hace de miles de años.
“Esto no es la última edición de la editorial Planeta de un libro de poesía” con un tono un tanto peyorativo, y voy a dejar para el final la pregunta que me hice frente a semejante afirmación.
Entonces dejo caer mi pregunta ¿El diseño de un libro de poesía, una novela, una obra de teatro, no debería estar al cuidado de un diseñador gráfico, que pueda y deba decidir su diagramación, selección y clasificación tipográfica, manejo del blanco de la página, empaque, formato, etc., y no tan solo del diseño de la cubierta del libro?
Les dejo la inquietud.

Hace un par de años atrás no se porque me dio por hacer en mis talleres de diseño gráfico editorial, investigaciones de algunos arquitectos que me gustaban, debe ser porque primero quería estudiar arquitectura, hasta que descubrí el diseño gráfico, en mi época se decía una frase, enferma de machista, entre los académicos, “el diseño es para las niñitas”, pues mi respuesta fue, que a mi me gustaba jugar con las niñitas y me dediqué al diseño, en fin volviendo a la arquitectura, creo que fue por el 2004 en que se me puso en la cabeza el arquitecto Richard Meier, que además hablaba mucho sobre el espacio, la luz y el blanco, tema que a mi me fascina, partiendo por el blanco de la página, hice que varios de mis estudiantes hicieran unas magnificas ediciones sobre este arquitecto, espero algunos de ellos las conserven, para que puedan comparar sus trabajos con este que acaba de salir, no estaban tan lejos de este libro diseñado por el gran Vignelli, y yo tampoco estaba tan loco, para hacer este tipo de investigaciones y publicaciones.

La carrera del gran arquitecto Americano hasta la fecha
Richard Meier & Partners, Complete Works 1963-2008

Desde sus inicios como miembro de los Cinco de Nueva York Richard Meier ha sido una figura destacada en la escena de la arquitectura contemporánea de los Estados Unidos. Edificios como el Centro Getty o la Iglesia del Jubileo de Roma, de reciente construcción, el neoyorquino ha consolidado su reputación internacional y ha ampliado los horizontes de la arquitectura Americana Contemporánea.

Conocido por sus impecables tramas geométricas y el uso frecuente del blanco, Richard Meier puede considerarse el maestro de la luz y del espacio.
En este excepcional volumen el lector podrá conocer exhaustivamente su larga trayectoria profesional y artística, incluyendo sus más recientes trabajos en Nueva York y Shenzhen.

Este libro es obra de la estrecha colaboración entre el arquitecto, el autor y el célebre diseñador gráfico Massimo Vignelli. Un espectacular monográfico -sin precedentes- que nos muestra la obra de Meier en toda su dimensión y brillantez. El genial arquitecto español Alberto Campo Baeza firma el prefacio de este lujoso tomo.

Richard Meier & Partners
Complete Works 1963-2008
Philip Jodidio
Hardcover, 30.5 x 39 cm,
568 páginas, € 100.00
ISBN 978-3-8228-3684-2
(Italiano, Español y Portugués)

El día 10 de marzo recibí este correo:

Hola Javier, mi nombre es Leo Rocha, te envío un link con algunas realizaciones en artwork y otras de vectores espero que puedas ver los trabajos y desde ya muchas gracias. Chauuuu.

atte. Leo Rocha / Diseñador

Leo Rocha / Diseñador en Comunicación visual y Licenciado en Artes

ROCHASTONER DESIGN 89330473

Que quieren que les diga, quede como dicen “pa’dentro” este tipo vale la pena, y me gustó muchísimo, su sencillez y humildad. Que difícil se hace cuando uno hace clases y los estudiantes creen (no solo ellos), que ser diseñador gráfico es solo tener buen gusto y listo. Tan simple como saber manejar un poco el computador, aplicar los filtros de photoshop (los odio cuando hacen eso) que son tan evidentes, combinar las tipografías en forma correcta y listo ya soy diseñador. Pues bien a eso yo le llamo “grafica de secretarias” y sin querer ofender al rubro, dicho sea de paso a veces son mejores que muchos “Diseñadores”.

Yves Zimmermann tiene un capitulo interesantísimo en su libro Del Diseño, Editorial Gustavo Pili, SA, Barcelona 1998 ISBN:84-252-1780-6 Que se llama el Boom del diseño, 1988 y comienza así…

“De un tiempo a esta parte se oye parlotear por doquier sobre el tema de moda: el diseño. Nunca se había hablado tanto del diseño hasta que los mass-media se apropiaron de él como si de un producto más, vendible en páginas y pantallas, se tratara. Los periodistas, los políticos, los críticos de arte, los modistos, todo el mundo usa esta palabra para designar ámbitos, actitudes y actividades completamente dispares. Y este uso llega incluso al colmo del abuso por parte de algunos que ya ni siquiera saben escribir correctamente en inglés: escriben desing en lugar del término correcto design”.

En fin que más decir, me parece que nuestro amigo Leo, no solo es un tremendo DISEÑADOR, así con mayúsculas sino también como lo dice su titulo, un gran artista e ilustrador, perdonen lo poco, pero creo que las palabras están demás y veamos su trabajo. Felicitaciones Leo…

Links:

http://rochartconcept.blogspot.com/

http://rochastoner.deviantart.com/

Hace unos meses atrás dígase el año pasado me encontré con esta edición sobre Massimo Vignelli, (gran diseñador de la vieja escuela) y posteriormente con este pequeño articulo en la revista Communication Arts de septiembre/octubre de 2007 en su sección Book Reviews, p.186, escrito por Ruth Hagopian. Los que me conocen saben que amo los libros, por eso hago talleres editoriales, en las distintas universidades donde hago clases, en resumen me gusta el diseño de libros y quiero que mis estudiantes también lo hagan.

En fin encargué por Amazon esta edición (cuesta U$31.50), que lleva por titulo Vignelli: From A to Z (Vignelli: de la A a la Z) editado Por Lella y Massimo Vignelli de 196 páginas, Publicado por The Images Publishing Group Pty Ltd. Aún no la he recibido, pero espero que cumpla todas mis expectativas ya que lo pedí después de leer a Ruth Hagopian, espero no me defraude, aquí la traducción del articulo de la tentación…

“Si usted no lo puede encontrar, lo diseña,” dice en la oficina de Vignelli y esta idea nos presenta una vista general de muchos proyectos que definen el estilo Vignelli, en diseño gráfico, diseño de interiores, muebles y otros productos. El alfabeto italiano de 21 letras –F para furniture (muebles), M para magazines (revistas)– sirve para presentar su trabajo del sistema de señalización para el Metro de Nueva York, su silla apilable para Knoll, los showroom para Artemide y Poltrona Frau y los embalajes para el Bloomingdale’s.

Basado en una década de conferencias en la Escuela del Diseño y Arquitectura de Harvard, Massimo Vignelli ha desarrollado, en un breve texto, sobre la convicción, la honradez y el humor, él revela cuáles diseños fueron los que verdaderamente funcionaron y los que definitivamente fueron un fracaso, por ejemplo el diseño de unas copas, capaces de ser apiladas, que originalmente tenían un hoyo donde el borde encontraba su asidero, pero cuando fueron llenadas hasta la cima “se volteo todo y entonces, ¡que vergüenza!, todo termino derramado sobre la mesa”.

Hay una gran familiaridad en muchos de los diseños de los Vignelli’s y es que son contemporáneos y clásicos. Eternas, elegantes y legibles son los criterios para las siete tipografías que ellos utilizan (“las demás se pueden desechar”) . Esto se nota en el enfoque a todo su trabajo. Como modernistas, en la arquitectura, el estilo, Vignelli, cita a Adolph Loos quien dijo, “Un arquitecto debe poder diseñar todo, desde una cuchara hasta una ciudad”.

Con interés especial se puede ver su trabajo en el diseño de ropa funcional en lanas y sedas. Massimo incluye una historia divertida de la moda de hombres que empieza con la hoja de parra y quejas acerca de la ropa de caballeros tradicional, eliminando la solapa sobre el bolsillo, el puño y algo que llaman en inglés fly en su colección. Lella desarrolló una línea profesional y más elegante para mujeres inclusive joyas hermosas de plata, para completar su colaboración. Pero Lella y Massimo no siguieron. Mientras el libro presenta lo mejor del diseño de Vignelli, sirve también como un tributo a la asociación de las cinco-décadas de Lella y Massimo Vignelli que cree que Vignelli ha triunfado porque Lella es la voz de la razón y él, la voz de los sueños.

(señaletica metro deNueva York 1972)

(identidad para America Airlines 1967)

(identidad para Bennetton 1995)

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1. Nota del traductor: Esto lo comenta en el video Helvetica, para aquellos que han tenido la oportunidad de verlo.
2. La traducción literal del inglés de Fly es mosca o volar, en la moda no tengo la menor idea a que se refiere.

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3. Nota del editor: Algunas imágenes fueron extraidas de www.designboom.com

No sabría decirles porque, pero hace un tiempo recibo un Newsletter de España llamado Vallery, me podría hacer el importante y decirles que como soy tan “bacán” por eso me lo envían, pero es mentira, no se quien me conoce por esos lados o como dice esa frase tan “cinematográfica” no se que he hecho para merecer esto. Sin embargo me hace sentir conectado con lo que está sucediendo al otro lado del “charco” (dígase Europa). Bueno sin más preámbulos les hago llegar una invitación especial, además quien me dice que uno de ustedes no está en este momento en Barcelona.

Vallery te invita a la inauguración de la exposición, “And So The Gods Created Fashion” por Sweden Graphics,
 el jueves: 27 DE MARZO A LAS 20:00H.

Hola, mi nombre es Nille Svensson y los dioses hablan a través de mí. O, como mínimo, hablan a través de mis diseños. Me han dicho que haga prendas y eso es lo que he hecho. Y todo significa algo aunque no estoy seguro de qué. De todas formas, ¿de dónde proviene la moda?¿y cómo funciona?¿y qué son esas voces en mi cabeza?
Si estás en Barcelona durante la exposición y te sientes espiritualmente preparado, ven y ayúdame a dilucidar cuál es el sentido de esto.
AND SO THE GODS CREATED FASHION es una narración sobre las fuerzas divinas que crean y controlan la moda. Una suerte de mitología sobre cómo gira esta importante rueda de cultura popular y economía. Conocerás los dioses pero también verás las prendas que son el resultado de la interacción con los diseñadores mortales Sweden Graphics. Religión, Moda, Gráficos.

Nille Svensson (n. 1970) estudió en la Konstfack University College of Arts, Crafts and Design en Estocolmo.
Después de graduarse en 1997 fundó la agencia de diseño gráfico Sweden Graphics junto con Magnus Åström
(n. 1969) al que conoció en Konstfack. Juntos han trabajado como diseñadores gráficos, ilustradores y animadores. Han realizado diseños para clientes como H&M, MTV, Sony, Ebay y Wolkswagen así como clientes locales en Suecia. Sus trabajos han aparecido en numerosas revistas y libros de diseño de todo el mundo. Son también co-fundadores de la editorial Pocky y la revista sueca de arte Konstnären. Nille trabaja como profesor de diseño y sus aclamadas conferencias le han llevado a lugares tan alejados como Tijuana y Sydney, para el disfrute de los asistentes compulsivos de todo el mundo.
Él pensaba que era el mejor diseñador gráfico del mundo hasta que su hija creció y empezó a dibujar.

¿Donde está Vallery?
Calabria, 85
08015 Barcelona
España

Siempre te vas a encontrar con diseñadores que te sorprenden, pero aquellos que me conocen y especialmente los que conocen como escribo, me refiero a mi letra, verán porque me quedé tan sorprendido, si porque es como encontrarse con alguien que se te parece mucho físicamente, bueno yo no soy tan exitoso como Marion Deuchars, quien estudió ilustración y grabado en el Duncan of Jordanstone (Dundee) y en el Royal Collage of Art, de Londres. Además de graduó con un M.A. (master of arts) en 1989 con distinción máxima. Desde su que terminó sus estudios ha trabajado como ilustradora en las más importantes agencias de diseño y publicidad de todo el mundo. Su trabajo comercial ha cubierto una variada gama de encargos que incluyen literatura corporativa, publicaciones de carácter editorial, envases, retail, publicidad, diseño de páginas Web, desarrollo de marcas, decoración y por supuesto arte.
Otra cosa que me encanta, y no se si a ustedes son los trabajos hechos a mano y eso es lo que destaca a Marion Deuchars, incluso si alguno de ustedes tiene acceso al libro Escrito a Mano de Steven Heller y Mirko Ilic, podrán ver una serie de sus trabajos impresos
Visítala en http://www.mariondeuchars.com

En 1994 Rudy VanderLans escribió un ensayo titulado Fallout (Lluvia radiactiva) y fue publicado en la magnifica y desaparecida revista Emigre. Comentaba el articulo “The Cult of the Ugly” (“El Culto a lo Feo”) escrito por Steven Heller y publicada en la revista británica de diseño Eye, que recibió (y recibe todavía según el mito) más respuestas que cualquier otro artículo publicado por Eye.

La gran crítica en el artículo fue dirigida a su propio trabajo y el trabajo que publicaba Emigre, revista con la cual me sentí muy identificado, VanderLans trató de escribir una respuesta para Eye. Pero después de varios intentos, renunció. Repetidas veces, se encontró defendiendo sus diseños contra lo que sentía, y el resultado era una equivocación sobre su trabajo. Esta equivocación, es a menudo el resultado de la ignorancia completa del contexto en el que el trabajo es creado.

Es curioso, sin embargo, cuánto se crítica el trabajo de diseño que algunos piensan dirigen deliberadamente el diseño gráfico al extremo. Si los viejos diseñadores piensan realmente acerca del futuro del diseño gráfico, en vez de resentirse y compartieran sus proyectos con unas pocas caras nuevas, ellos podrían encontrar mucho más trabajo en diseño gráfico hoy. Así que en vez de tratar de justificar las virtudes de nuestro trabajo, que no es proeza fácil, habría que hacer un giro.

Por ejemplo en vez de menospreciar a los jóvenes y sus diseños de multi-medios habría que criticar acerca del estado del diseño gráfico en Chile (ver el Nuevo logo de Valparaíso), habría que hacer comentarios acerca de las páginas de nuestros diarios, revistas, suplementos y otros impresos –otro candidato bueno para alguna crítica grave del diseño– son una gran cantidad de sitios Web de estos mismos medios de comunicación. Ellos son una parte importante del futuro del diseño gráfico es increíble que diseñadores ya mayores parecen inexpertos, insípidos y leves.

Miremos los logos de nuestros diarios y revistas. Después de años de tanta escuela de diseño, si yo fuera lo suficiente hábil para ver que esa combinación de ese tipo de letra en todas las tapas “perfectamente” dispuestas en el sentido tipográfico tradicional, que asumo es lo que el diseñador se esforzaba en hacer. Me preguntaría si no será tiempo de buscar otro tipo de letra.

Por otro lado, los rostros bonitos en las portada, comparadas a la ejecución muy pobre del diseño general de las tapas. Donde se gasta más bien tiempo extra para poder descifrar capas densas de tipografías donde la imagen es destruida. Los diseños de logo y tapas son sólo un anticipo de lo que uno puede esperar en el interior. Esta disposición ¿Es la clase del diseño gráfico que ha dado el Modernismo? definitivamente mal.

Tomando en consideración todo el esfuerzo que se hace para imprimir una revista, me asombra lo que se ha gastado en trabajar con un tipo de letra corriente, ellos tienen un sentido tan estrecho sobre diseño cuando visualizan la diagramación general de la revista. El diseño de la revista Emigre tenía un gran juego y a riesgo incluso de cierta ilegibilidad con los tipos de letra para la impresión.

Entiendo el sentido de la legibilidad y quizás aún cierto nivel de la neutralidad tipográfica es lo que nuestras publicaciones se esfuerzan para sus diagramaciones, pero en eso no significa que los resultados deban ser malos. Los diseños de la mayoría de las publicaciones influyentes en Chile, son poco imaginativas, sin inspiración, y ordinarias.

¿Qué se dice que acerca del estado del diseño gráfico en Chile?

Me parece que hoy hay una comunidad de diseñadores jóvenes que realmente les importan las cosas que están sucediendo en el diseño gráfico local y deberían estar haciéndose ya, cargo de nuestros diarios y revistas locales, incluso las más clásicas y tradicionales.

Espero que así como Heller hizo su critica en su momento a sus pares en el gran país del norte, nosotros podamos mantener un debate fascinante y vivo en el gran país del sur.